FLAMENCO EMPIRICO

CICLO DE FLAMENCO EN EL MERCAT DE LES FLORS 

DEL 16 DE FEBRERO AL 1 DE MARZO.

BARCELONA

www.mercatflors.org/fitxa/271/

INFORMACIÓN

maria.ros@aportada.com

+ 34 93 318 2650

RESEÑA "SOUVENIR" MERCAT DE LES FLORS

(Souvenir és un espectacle de Belén Maya, Juan Carlos Lérida i David Montero, amb José Luis Rodríguez a la guitarra i Rosario La Tremendita i Jesús Corbacho al cante. Mercat de les Flors, del 28 al 30 de març de 2008.)

El ballarí salta i salten els mobles amb ell. La ballarina es gira i es gira la música amb ella. Com en Lorca -”al hablar se quedan mis palabras en el aire como corchos sobre agua”-, a Souvenir s’obre una dimensió on el passat del flamenc flota davant nostre: self-service. És a dir, barrejat, gastat o oblidat, aquí hi és tot: hi fiques el braç i treus un personatge que fuma i t’explica històries de vells cantaors. Hi fiques el braç i treus un guitarrista o un ballarí o un silenci. Cada moment pescat tindrà el seu ritme i la seva fantasmal aparició i desaparició.

Qualitat de ballarins, cantaors i músics a banda, el més interessant és l’elegància de l’espectacle perquè, tot i estar ple d’idees extravagants (cadires que salten, alentiments i acceleracions molt diverses, caos melòdic, intercanvi de papers…), el resultat no té ni un gram d’extravagant sinó tot el contrari: l’equip de Belén Maya ha concebut l’espectacle amb molt respecte i intel·ligència, cosa que vol dir amb molt coneixement del material que tenen entre les mans (què és, quina lògica interna té) i un discurs molt cuidat a diferents nivells (ball, teatre, música) sobre què ha estat el flamenc, qui l’ha fet, què en queda, i per què el volem. Això, més la qualitat dels ballarins, cantaors i músics, et deixa les mans vermelles de tant aplaudir.

RESEÑA LA VOZ DE AMO Festival Vaivenes Flamencos

Cía. Belén Maya
"La voz de su amo"
Festival Vaivenes Flamencos
Domingo, 6 de julio, 22:30 horas
Alcalá de Guadaira (Sevilla)




La segunda jornada de los Vaivenes alcalareños nos trajo quizá la propuesta más arriesgada de cuantas veremos en esta semana. Poco a poco el público va comprendiendo que se trata de un planteamiento diferente, alejado de tópicos y prejuicios, con una idea clara de atender a la propia demanda de vanguardia que el flamenco ha acaparado en toda su historia.

Texto: Juan Diego Martín Cabeza
Fotos: Alejandro Calderón Sánchez

NOSTALGIA DEL PORVENIR

Baile: Belén Maya y Juan Carlos Lérida (artista invitado) Actor: David Montero Guitarra: José Luis Rodríguez Cante: Rosario la Tremendita Dj: David J. Fonseca

Belén Maya tiene un lenguaje para expresarse. Un lenguaje buscado, querido, comprometido. Un lenguaje personal, suyo, y de su tiempo.

Nos deja toda esta obra en su desarrollo y sobre todo en el desenlace, un especial halo de melancolía, como de algo que se ha ido o que todavía está por llegar. Está hecho con recuerdos (¿los recuerdos son algo que tenemos o que hemos perdido?), con retazos de historias flamencas en un limbo a medio camino entre la tradición embaucadora y el porvenir indeterminable. Es recurrente en los artistas-actores-bailaores una mirada hacia fuera del escenario con una inquietud, una desazón... que unas veces consuela y otras conmueve. Tengo la sensación de que este espectáculo defiende al flamenco de sus defensores recalcitrantes. Es tan necesario como lo fue en su día el bigote con el que amaneció la Gioconda. Es saludable. Nos resultaba indispensable.

En el primer número la Tremendita echó mano de los preciosos tangos de la Penca para un baile sensual, cargado de guiños arabescos, granaínos y quizá personales de Belén. Es la actuación más clásica, más añeja, una especie de espejismo que se nos deshace en una repetición constante, como de disco rayado... eso es... la bailaora se resiste a la repetición, al aplauso fácil. Aviso para navegantes. El baile ha sido catártico para la artista pero también para el público.



Momento luego para una soleá cantada por la Tremendita y bailada por Juan Carlos Lérida, lentísimas, las más lentas que hemos visto y oído jamás... a doscientos sentimientos por hora. Más despacio no se puede... más despacio es la muerte.

Después un paso a tres: bailaor, bailaora y actor; introducidos por una cabal de Silverio impresionante en la voz de Rosario la Tremendita, la cantaora. La grandísima cantaora que además está demostrando que lo es. Y es un paso a tres, una composición, un cuadro, que rompe con lo mismo de siempre, con el corsé de los pies simétricos sobre las tablas. Y en ese momento de creación colectiva, y con muy buen criterio del Dj, mezclador de sonidos apocalípticos, intervienen entre otros Antonio Mairena o Anica la Piriñaca en una reunión simbólica pero certera.

La aportación teatral se sustenta en esa nostalgia de lo por venir, que a su vez se manifiesta en la nostalgia de cosas perdidas... recuerdos inventados, nunca poseídos. Un padre aficionado que el protagonista piensa haber escuchado cantar detrás de su puerta, o imagina solitario en la habitación vecina de las reuniones de los grandes cantaores de su tiempo... sobre esa nostalgia José Luis Rodríguez desenreda la que quizás es una de las composiciones más hermosas de la historia del flamenco: la rondeña de Ramón Montoya. Mientras, Juan Carlos Lérida baila su danza definitiva y trágica.

El espectáculo pierde algo de su probable intención intima. Le falta recogimiento en un escenario tan grande, rodeado por las almenas del Castillo que aportaron tanto a la puesta en escena de Barón el día anterior. Faltan elementos escénicos que se han suplido con buen criterio. Tremendita y Rodríguez supieron resolver con pundonor algún problema con el micro que se convirtió en un momento emotivo al transgredir radicalmente las fronteras técnicas y escénicas. Pero, con todo, es bueno para el flamenco y para el público que obras como estas salgan por fin de los espacios cerrados, y muchas veces minoritarios, a los que habitualmente se ven abocados.

Café de la Danse "LA VOZ DE SU AMO"

La Voz de su Amo
Danza, Teatro

(avec France Billet)El 22/11/08 a 20:00 : Sábado
El 23/11/08 a 17:00 : Domingo



Café de la Danse

11-22-2008 19:30endu 22/11 au 03/12 : Festival Don Quijote (danse, théâtre, musique)
5 passage Louis Philippe, Paris, 75011
Cost: 22€/16,70€

BUTTERFLY- SEVILLA CAS 5,6 DE DICIEMBRE 2008

Butterfly es un espectáculo de danza movimiento, que explora la posibilidad de una liberación de nuestras inhibiciones a través de la transformación. Es un recorrido sin destreza ni narración en diez pasos: diez momentos de una evolución que los 8 intérpretes hacen sobre un espacio escénico dividido en diez parcelas numeradas. La atención de la coreógrafa Mercedes Boronat se centra en el proceso de liberación y metamorfosis: espectacular, divertido, trágico, metafórico. Mercedes Boronat aboca su dilatada experiencia escénica en un recorte de vida que explica algo trascendental de una manera plenamente vivencial.
FICHA ARTISTICA

Idea y dirección Mercè Boronat
Asistent de dirección Juan Carlos Lérida
Interprets y creadores Juan Carlos Lérida, Maria Cabeza de Vaca, Helga Gadafi, Mónica Cano, Ivan Góngora, Fran Arraez, Melcior Casals, Montse Roig
Vestuario Mercè Boronat
Video Gloria Matamala
Música en directo DJ Chop Suey
Producción Danilo Pioli / Palacete de la Boro - Artistic Project

Con el apoyo de l'Institut de Cultura de l'Ayuntamiento de Barcelona y la colaboració del centre l'Estruch y del Ayuntamiento de Sabadell.

BIOGRAFIA/ GALERIDA

BIOGRAFIA JUAN CARLOS LERIDA

Juan Carlos Lérida es licenciado en coreografía y técnicas de interpretación por el Instituto del teatro de Barcelona.
Galardonado por la Diputación de Barcelona con el Premio Extraordinario 2008 del Institut del Teatre de Barcelona.

Juan Carlos Lérida nacido en Fulda (Alemania) en 1971. Su infancia transcurre en Sevilla, lugar donde comienza sus estudios de danza y flamenco a los 3 años de edad.
A los 18 años, amplia su formación con estudios de arte dramático y danza contemporánea, en el Centro Andaluz de teatro, donde entra en contacto con diversos directores y coreógrafos, enriqueciéndose así su estilo particular de movimiento.

Tras su paso por diversas compañías de danza y tablaos flamencos, en 1.996 se traslada a Barcelona en su inquietud de unir el flamenco a otras ramas artísticas. Es allí donde recibe formación de Danza-Teatro e Improvisación por la bailarina-coreógrafa Mercedes Boronat, y donde entra en contacto con diferentes tendencias coreográficas.

En 1.997 toma la decisión de crear su propia Compañía de danza “2D1”. Con este proyecto logra diferentes premios en certámenes coreográficos, (destacándose el 2ª premio con la pieza “Costumbre” en el 9º certamen coreográfico de danza española y flamenco de Madrid- 2.000. Su ultimo espectáculo, “Corrazón”, se presenta dentro del Festival Internacional de teatro y danza de Sitges 2.001 y en L’ESPAI de Barcelona.


En el año 2000 es invitado a Japón por la directora Yoko Komatsubara para realizar la coreografía y participar como bailarín solista en la obra “Amor Brujo”, realizando una gira por todo el país.

En agosto del 2.000, participa como bailarín solista en la opera “Carmen” dirigida por Calixto Bieito, estrenada en el Festival de Peralada (Girona-
España) con posterior gira por Holanda.

En el año 2001 es nuevamente invitado a Japón para realizar la coreografía del espectáculo”Tierra y Fuego”, Teatro Nacional de Tokio.

En este mismo año participa en la Bienal de flamenco de Sevilla como Bailarín solista en el espectáculo “Malena”. Junto a Hiniesta Cortes y Alejandro Granados.

Desde el año 2003 al actual,es requerido por el departamento de Danza española del Instituto del Teatro de Barcelona como profesor invitado para impartir clases de flamenco y danza Contemporánea , siendo el responsable de coreografiar los talleres de final de carrera.


Durante el año 2003 y 2004 reside en Madrid para participar en un nuevo proyecto junto a JOAQUIN CORTÉS, ocupándose de la formación y preparación de los bailarines que posteriormente intervendrán en la nueva producción, desempeñado, a su vez, el papel de Coreógrafo y Bailarín invitado en la creación del espectáculo de “Joaquín Cortes Company” que lleva por titulo “De amor y odio”. Estrenado en el mes de abril del 2004 en Milán (Italia).


En el año 2004 participa en el espectáculo musical LOS TARANTOS como actor-cantante-bailarín, interpretando el papel de Ismael (protagonista) con libreto y dirección de Emilio Hernández, música de Chicuelo y Tomatito y coreografía de Javier Latorre.
Espectáculo estrenado en el mes de septiembre de 2004 en BTM (Barcelona Teatre Musical).

En el 2006 alterna su trabajo como pedagogo (Barcelona, Sevilla, Girona, Berlín), con el de coreógrafo. Realizando la dirección del proceso de creación de “ Sarab” de la compañía Increpación danza -Barcelona), y elaborando su nueva creación “El Arte de la Guerra”, que es estrenada en el Festival flamenco de Berlín.
En el mes de Octubre de 2006 se encarga de la creación e interpretación de la obra “Con Secuencias” por la petición del equipo artístico del teatro Spieldboden en la ciudad de Dombirm (Austria).

Durante el año 2007 participa como coreógrafo, codirector y bailarín del espectáculo “Souvenir” y “La Voz de su amo” de la compañía Belén Maya.

En 2008 se encarga de coreografiar la pieza “El tiempo corre y deprisa” de la nueva obra “ Ti –Me-Ta-Ble” de Marco Vargas y Chloé Brûlé-Dauphin y “ Pasos para Dos” de Rosario Toledo y Ana Salazar. Estrenadas ambas en La XV Bienal de Flamenco de Sevilla. Interpretar y ejercer como Ayudante de Dirección en la obra de Danza Teatro “Butterfly” de la directora Mercedes Boronat.

GALERIDA
http://209.85.229.132/search?q=cache:fIuQyUmj2uQJ:spielboden.net/archiv/fotogalerie/flamenco_27102007+%22juan+carlos+lerida%22&hl=es&ct=clnk&cd=169&gl=es

La interpretación y La Danza

LA INTERPRETACION EN EL ARTE DE LA DANZA.
Jordi Fábrega pregunta a Juan Carlos Lérida:



1-¿Cómo se define usted profesionalmente: bailarín/na, coreógrafo/a,
pedagogo/a, repetidor/a?
Me siento un profesional de la danza. Me interesan todas sus vertientes.. Existen muchas dimensiones ya sea como bailarín, coreógrafo o pedagogo. Todas estas vertientes, se interrelacionan continuamente unas con otras, en forma de investigación , reflexión…. Para mi es una manera más rica de vivir la profesión. Siempre hay algo que está presente sea cual sea mi papel: el cuerpo y su relación con el espacio, descubrir sus fragilidades, cómo los cuerpos se transforman (los de los alumnos, el mío cómo intérprete, el del público como receptor…).


2-¿Su trabajo adopta o adapta alguna técnica ya conocida?

La primera técnica fue el flamenco, a los 4 años y a los 22 conecté con el arte dramático (interpretación, historia del teatro, dramaturgia, acrobacia, mimo…) esto me condujo a la danza contemporánea. En esta etapa del viaje descubrí la improvisación y la danza teatro, posteriormente continué formándome e investigando otras técnicas corporales y artísticas como Canto, Katsuguen , técnica Aberasturi, …y de ahí, con toda esa escalera de técnicas, se comenzó a crear mi propia forma (mi lenguaje) y metodología de trabajo (mi técnica)que en este momento se caracteriza por la utilización del flamenco y la danza-teatro para el desarrollo técnico , físico y artístico en todas mis vertientes.






3-¿Cuáles son, según su opinión, las condiciones o capacidades básicas que
ha de reunir un buen bailarín?
¿qué se entiende por buen bailarín?... Yo no concibo la danza como diferentes departamentos que no se conectan entre sí, y eso se ve reflejado en mi manera de aprender, entender y ejercer mi profesión.
Si por buen bailarín entendemos aquel individuo que ejerce su oficio con la mayor eficacia, entonces , es aquel que logra destruir todas las barreras que le impiden ser libre y dejar de ser preso de una estética o ideas artísticas que le domine y lo condicionen. Ser libre como bailarín significa poder recibir indicaciones, propuestas y pautas del coreógrafo o pedagogo y saber traducir esas palabras en su/mi cuerpo en relación al ritmo y espacio. Es aquel que es libre y flexible para poder utilizar su herramienta artística ( su propio cuerpo). Sobretodo es aquel que tiene algo que expresar. La honestidad para mi nace en la fe, la confianza de su cuerpo. Pienso en aquellos músicos que me gustan, bien sean porque me seducen, por su elegancia, su técnica, su ironía, su sentido del humor, su presencia, su generosidad. Hablo por ejemplo de Caetano Veloso, Mina, Kurt Elling, Bill Evans, Enrique Morente, etc.…


4-¿La Danza es sólo movimiento o necesita una emoción que lo impulse?
De por si el movimiento corporal sin emoción no existe, otra cosa es que el ejecutante reconozca esa emocion. No solamente puede reconocer esa emoción el que la ejecuta sino también el que la recibe, el espectador. Para mi un cuerpo en movimiento ya es emocionante.

5-¿Qué es la interpretación en la Danza?
Va unido. la interpretación no es algo que yo añado al movimiento a posteriori; la interpretación nace cuando el movimiento está conectado con la respiración y de ahí se conecta con la emoción y el ritmo. Siempre que he puesto la intención en la interpretación he perdido, ( porque es algo más corporal que mental) me he anulado la posibilidad de estar aquí y ahora.
Como espectador me sucede exactamente igual.
6-¿Qué pueden aportar las técnicas actorales al trabajo del bailarín?
Opino por propia experiencia que difieren mucho unas técnicas actorales de otras.
Yo he comprendido la interpretación a través de la danza teatro y de maestros que partían de técnicas corporales para llegar a la interpretación. Por lo tanto nunca me he separado del movimiento como herramienta.
Me resulta difícil encontrar técnicas actorales que ayuden al bailarín, porque generalmente el vehículo que se utiliza es la palabra y esto colisiona con la abstracción del movimiento.
7-¿Hay en la Danza un entrenamiento específico para interpretar? ¿Lo puede
concretar?
Sí, las técnicas de improvisación de la danza. Por ofrecerme herramientas como el reconocimiento del principio, nudo desenlace de una acción; la calidades y cualidades de movimiento que me han conducido a la creación de personajes, etc.
8-¿Qué es la presencia escénica desde el punto de vista de la Danza?
Ser y estar en el tiempo presente.

9-¿Hay técnicas para desarrollarla? ¿Cuáles?
En mi opinión aquellas técnicas que liberen a la persona de tensiones y bloqueos, permitiéndole estar en tiempo presente en cada una de sus acciones.
En mi trayectoria me han ayudado técnicas como : Katsuguen , técnica Aberasturi, biomecánica, etc..
En especial el flamenco y su trabajo rítmico en concreto (no el propiamente estético)es una técnica que aporta al desarrollo de la presencia escenica.


10-¿Se puede hablar de personaje en la Danza? ¿A qué nivel?
Sí, la danza clásica y la danza española nos da muestra de ello desde sus comienzos. La teatralidad de las obras empujaba a ello. La danza- teatro posteriormente nos lo enseñó a un nivel mas físico y por ello mas abstracto. Siempre me ha interesado lo que el personaje “no dice” y su cuerpo habla. Desde un espacio intimo y sutil.

11-¿Las emociones que ha de transmitir el bailarín son las del personaje ( en
el sentido de persona de ficción ), o las suyas, las de la persona que baila?
Creo que esta es la eterna pregunta de la relación amorosa entre teatro y danza. Personaje e interprete. En mi opinión si el bailarín tiene el cuerpo técnicamente preparado para navegar física y emocionalmente por diferentes espacios externos e internos, podrá desarrollar un mapa claro y especifico de emociones. Este mapa nacería de una unión de elementos que se realiza a partir del estudio del personaje(sus antecedentes, sus hábitos, sus deseos, sus necesidades, etc.…) y de las del propio bailarín (su espontaneidad, su imaginario, su creatividad, etc..)
12-¿Qué recursos van mejor para provocar la emoción?
En mi opinión todos aquellos recursos y tareas que optimicen al cuerpo de tal forma que este relajado y activo (en disposición para el movimiento), para permitir que fluya un universo de sensaciones a través de la vista, olfato , gusto, tacto y oído.
13-¿Existe un “centro del movimiento, de la energía”? ¿Dónde lo sitúa?
¿ Por qué? ¿Está relacionado con el trabajo de interpretación?
Cuando se habla de “centro” señalo ese lugar entre el ombligo y el pubis que se conecta con la 4 o 5 vértebra lumbar y que circula por toda la columna vertebral y de ahí a la extremidades.
Lo sitúo en ese punto porque es el lugar intermedio que conecta el arriba y el abajo. el cielo y la tierra. El lugar de equilibrio para el desequilibrio.
Yo no lo relacionaría con el trabajo de la interpretación.

14-¿Un bailarín ha de ser consciente cuando baila de la reacción que provoca
en el público?
Según que estilo de danza se elija, por ejemplo si hablamos de bailar en un espectáculo de cabaret, existe un feedback constante. De todas formas , sea cual sea el estilo de danza, soy de la opinión que ser conciente de todos los elementos que conforman el acto escénico siempre será mas positivo.

15-¿La interpretación es un asunto del bailarín, del coreógrafo, o de un
especialista en trabajo actoral?
Es una relación entre el bailarín y el coreógrafo. Tanto uno como el otro tienen que tener herramientas suficientes para desarrollar su oficio en este aspecto.

16-¿Cuándo hay que trabajar la interpretación si se monta una coreografía:
desde el inicio, a la mitad del proceso, o al final cuando ya se controla el
movimiento y la técnica?

La interpretación va unida a toda creación desde el propio movimiento corporal. Esto surge en el instante que se comienza a crear . Es desde el inicio. Es inseparable. Aunque a veces se quiera obviar esta situación.

17-¿Cuál es el papel del repetidor en el trabajo de interpretación?
Es la de reconocer , recordar y transmitir las pautas desarrolladas por un coreógrafo durante la creación de una pieza. La interpretación es uno más de los elementos.





18-¿La interpretación ha de formar parte de la formación del bailarín?
Como he dicho la interpretación ya va unida al movimiento y su propia vibración. Entonces va a ocurrir de manera inevitable. Si la interpretación se quiere dirigir hacia el estereotipo… ahí ya hay diferentes técnicas de movimiento que lo practican y el bailarín lo elige.

19-En caso afirmativo: ¿En qué momento hay que plantear el trabajo de
interpretación: desde el inicio de los estudios, a la mitad, al final cuando
ya se domina la técnica?.
En mi opinión y mi experiencia durante todo el proceso de formación del bailarín se precisan técnicas que trabajen la improvisación del movimiento, para desarrollar el bailarín herramientas donde reconocer y diferenciar sus distintos estados emotivos y con ellos ponerlos al servicio de la expresión del movimiento propio o ajeno.


-¿Desea añadir algún comentario más sobre la Interpretación?
En cada estilo de danza hay una manera de relacionarse con la interpretación. Generalmente yo no estoy de acuerdo en aquellas donde se elimine la capacidad creadora del intérprete. La danza española y el flamenco se han dirigido hacia un tipo de interpretación estereotipada que hoy en día se ve obsoleta debido a los cambios sociales culturales, etc... En la actualidad, los bailarines de danza española y flamenco poseen experiencias propias que difieren de aquello que se intenta expresar y a veces a imitar. Por eso mi búsqueda es la de encontrar un vehiculo y un puente que permita a los bailarines estar en disposición de encontrar orgánicamente a través del cuerpo (técnica, emoción, espontaneidad) y sus vivencias (experiencias, imaginario, creatividad), su propio flamenco y su danza española.


Muchas gracias por tu colaboración. Jordi Fàbrega.