LA INTERPRETACION EN EL ARTE DE LA DANZA. Jordi Fábrega pregunta a Juan Carlos Lérida:
1-¿Cómo se define usted profesionalmente: bailarín/na, coreógrafo/a,
pedagogo/a, repetidor/a?Me siento un profesional de la danza. Me interesan todas sus vertientes.. Existen muchas dimensiones ya sea como bailarín, coreógrafo o pedagogo. Todas estas vertientes, se interrelacionan continuamente unas con otras, en forma de investigación , reflexión…. Para mi es una manera más rica de vivir la profesión. Siempre hay algo que está presente sea cual sea mi papel: el cuerpo y su relación con el espacio, descubrir sus fragilidades, cómo los cuerpos se transforman (los de los alumnos, el mío cómo intérprete, el del público como receptor…).
2-¿Su trabajo adopta o adapta alguna técnica ya conocida?La primera técnica fue el flamenco, a los 4 años y a los 22 conecté con el arte dramático (interpretación, historia del teatro, dramaturgia, acrobacia, mimo…) esto me condujo a la danza contemporánea. En esta etapa del viaje descubrí la improvisación y la danza teatro, posteriormente continué formándome e investigando otras técnicas corporales y artísticas como Canto, Katsuguen , técnica Aberasturi, …y de ahí, con toda esa escalera de técnicas, se comenzó a crear mi propia forma (mi lenguaje) y metodología de trabajo (mi técnica)que en este momento se caracteriza por la utilización del flamenco y la danza-teatro para el desarrollo técnico , físico y artístico en todas mis vertientes.
3-¿Cuáles son, según su opinión, las condiciones o capacidades básicas que
ha de reunir un buen bailarín?¿qué se entiende por buen bailarín?... Yo no concibo la danza como diferentes departamentos que no se conectan entre sí, y eso se ve reflejado en mi manera de aprender, entender y ejercer mi profesión.
Si por buen bailarín entendemos aquel individuo que ejerce su oficio con la mayor eficacia, entonces , es aquel que logra destruir todas las barreras que le impiden ser libre y dejar de ser preso de una estética o ideas artísticas que le domine y lo condicionen. Ser libre como bailarín significa poder recibir indicaciones, propuestas y pautas del coreógrafo o pedagogo y saber traducir esas palabras en su/mi cuerpo en relación al ritmo y espacio. Es aquel que es libre y flexible para poder utilizar su herramienta artística ( su propio cuerpo). Sobretodo es aquel que tiene algo que expresar. La honestidad para mi nace en la fe, la confianza de su cuerpo. Pienso en aquellos músicos que me gustan, bien sean porque me seducen, por su elegancia, su técnica, su ironía, su sentido del humor, su presencia, su generosidad. Hablo por ejemplo de Caetano Veloso, Mina, Kurt Elling, Bill Evans, Enrique Morente, etc.…
4-¿La Danza es sólo movimiento o necesita una emoción que lo impulse?De por si el movimiento corporal sin emoción no existe, otra cosa es que el ejecutante reconozca esa emocion. No solamente puede reconocer esa emoción el que la ejecuta sino también el que la recibe, el espectador. Para mi un cuerpo en movimiento ya es emocionante.
5-¿Qué es la interpretación en la Danza?Va unido. la interpretación no es algo que yo añado al movimiento a posteriori; la interpretación nace cuando el movimiento está conectado con la respiración y de ahí se conecta con la emoción y el ritmo. Siempre que he puesto la intención en la interpretación he perdido, ( porque es algo más corporal que mental) me he anulado la posibilidad de estar aquí y ahora.
Como espectador me sucede exactamente igual.
6-¿Qué pueden aportar las técnicas actorales al trabajo del bailarín?Opino por propia experiencia que difieren mucho unas técnicas actorales de otras.
Yo he comprendido la interpretación a través de la danza teatro y de maestros que partían de técnicas corporales para llegar a la interpretación. Por lo tanto nunca me he separado del movimiento como herramienta.
Me resulta difícil encontrar técnicas actorales que ayuden al bailarín, porque generalmente el vehículo que se utiliza es la palabra y esto colisiona con la abstracción del movimiento.
7-¿Hay en la Danza un entrenamiento específico para interpretar? ¿Lo puede
concretar?Sí, las técnicas de improvisación de la danza. Por ofrecerme herramientas como el reconocimiento del principio, nudo desenlace de una acción; la calidades y cualidades de movimiento que me han conducido a la creación de personajes, etc.
8-¿Qué es la presencia escénica desde el punto de vista de la Danza?Ser y estar en el tiempo presente.
9-¿Hay técnicas para desarrollarla? ¿Cuáles?En mi opinión aquellas técnicas que liberen a la persona de tensiones y bloqueos, permitiéndole estar en tiempo presente en cada una de sus acciones.
En mi trayectoria me han ayudado técnicas como : Katsuguen , técnica Aberasturi, biomecánica, etc..
En especial el flamenco y su trabajo rítmico en concreto (no el propiamente estético)es una técnica que aporta al desarrollo de la presencia escenica.
10-¿Se puede hablar de personaje en la Danza? ¿A qué nivel?Sí, la danza clásica y la danza española nos da muestra de ello desde sus comienzos. La teatralidad de las obras empujaba a ello. La danza- teatro posteriormente nos lo enseñó a un nivel mas físico y por ello mas abstracto. Siempre me ha interesado lo que el personaje “no dice” y su cuerpo habla. Desde un espacio intimo y sutil.
11-¿Las emociones que ha de transmitir el bailarín son las del personaje ( en
el sentido de persona de ficción ), o las suyas, las de la persona que baila?Creo que esta es la eterna pregunta de la relación amorosa entre teatro y danza. Personaje e interprete. En mi opinión si el bailarín tiene el cuerpo técnicamente preparado para navegar física y emocionalmente por diferentes espacios externos e internos, podrá desarrollar un mapa claro y especifico de emociones. Este mapa nacería de una unión de elementos que se realiza a partir del estudio del personaje(sus antecedentes, sus hábitos, sus deseos, sus necesidades, etc.…) y de las del propio bailarín (su espontaneidad, su imaginario, su creatividad, etc..)
12-¿Qué recursos van mejor para provocar la emoción?En mi opinión todos aquellos recursos y tareas que optimicen al cuerpo de tal forma que este relajado y activo (en disposición para el movimiento), para permitir que fluya un universo de sensaciones a través de la vista, olfato , gusto, tacto y oído.
13-¿Existe un “centro del movimiento, de la energía”? ¿Dónde lo sitúa?
¿ Por qué? ¿Está relacionado con el trabajo de interpretación?Cuando se habla de “centro” señalo ese lugar entre el ombligo y el pubis que se conecta con la 4 o 5 vértebra lumbar y que circula por toda la columna vertebral y de ahí a la extremidades.
Lo sitúo en ese punto porque es el lugar intermedio que conecta el arriba y el abajo. el cielo y la tierra. El lugar de equilibrio para el desequilibrio.
Yo no lo relacionaría con el trabajo de la interpretación.
14-¿Un bailarín ha de ser consciente cuando baila de la reacción que provoca
en el público?Según que estilo de danza se elija, por ejemplo si hablamos de bailar en un espectáculo de cabaret, existe un feedback constante. De todas formas , sea cual sea el estilo de danza, soy de la opinión que ser conciente de todos los elementos que conforman el acto escénico siempre será mas positivo.
15-¿La interpretación es un asunto del bailarín, del coreógrafo, o de un
especialista en trabajo actoral?
Es una relación entre el bailarín y el coreógrafo. Tanto uno como el otro tienen que tener herramientas suficientes para desarrollar su oficio en este aspecto.
16-¿Cuándo hay que trabajar la interpretación si se monta una coreografía:
desde el inicio, a la mitad del proceso, o al final cuando ya se controla el
movimiento y la técnica?La interpretación va unida a toda creación desde el propio movimiento corporal. Esto surge en el instante que se comienza a crear . Es desde el inicio. Es inseparable. Aunque a veces se quiera obviar esta situación.
17-¿Cuál es el papel del repetidor en el trabajo de interpretación?Es la de reconocer , recordar y transmitir las pautas desarrolladas por un coreógrafo durante la creación de una pieza. La interpretación es uno más de los elementos.
18-¿La interpretación ha de formar parte de la formación del bailarín?Como he dicho la interpretación ya va unida al movimiento y su propia vibración. Entonces va a ocurrir de manera inevitable. Si la interpretación se quiere dirigir hacia el estereotipo… ahí ya hay diferentes técnicas de movimiento que lo practican y el bailarín lo elige.
19-En caso afirmativo: ¿En qué momento hay que plantear el trabajo de
interpretación: desde el inicio de los estudios, a la mitad, al final cuando
ya se domina la técnica?.En mi opinión y mi experiencia durante todo el proceso de formación del bailarín se precisan técnicas que trabajen la improvisación del movimiento, para desarrollar el bailarín herramientas donde reconocer y diferenciar sus distintos estados emotivos y con ellos ponerlos al servicio de la expresión del movimiento propio o ajeno.
-¿Desea añadir algún comentario más sobre la Interpretación?En cada estilo de danza hay una manera de relacionarse con la interpretación. Generalmente yo no estoy de acuerdo en aquellas donde se elimine la capacidad creadora del intérprete. La danza española y el flamenco se han dirigido hacia un tipo de interpretación estereotipada que hoy en día se ve obsoleta debido a los cambios sociales culturales, etc... En la actualidad, los bailarines de danza española y flamenco poseen experiencias propias que difieren de aquello que se intenta expresar y a veces a imitar. Por eso mi búsqueda es la de encontrar un vehiculo y un puente que permita a los bailarines estar en disposición de encontrar orgánicamente a través del cuerpo (técnica, emoción, espontaneidad) y sus vivencias (experiencias, imaginario, creatividad), su propio flamenco y su danza española.
Muchas gracias por tu colaboración. Jordi Fàbrega.
